El terror histórico de Robert Eggers

Ya está aquí la nueva película del aclamado director de "La Bruja" y "El Faro".  Así, el pasado viernes 22 de abril se estrenó en las taquillas españolas "El hombre del norte". 

En este largometraje volvemos a ver a la protagonista de "La Bruja" Anya Taylor-Joy y al de "El Faro" Willem Dafoe interpretando a personajes importantes, sin embargo quien realiza una actuación brillante es Alexander Skarsgård. Como se puede comprobar, Robert Eggers es fiel a los actores que han trabajado con él, contando con ellos en diferentes proyectos.

Las películas de Robbert Eggers también se caracterizan por el trabajo de investigación previo que realiza el director con el objetivo de transportar al espectador a la época histórica de cada película. Así en "La Bruja"quiso recrear la Nueva Inglaterra de 1630 haciendo énfasis en la importancia de la religión, en plena lucha entre católicos y protestantes. Visualmente, se inspira en los cuadros de Goya de tal manera que el espectador se siente como si estuviera dentro de una pintura negra. En "El Faro" volvemos a Nueva Inglaterra, aunque esta vez estamos en 1890. En esta ocasión, Eggers investigó poemas de Poe y Lovecraft así como los mitos de Prometeo y Proteo para darle consistencia a la trama.  Esta vez, con "El hombre del norte" Eggers nos lleva al siglo X, en la era Vikinga de Escandinavia. El director se ha visto ayudado por académicos y expertos en mitología vikinga y, además, para contar esta epopeya ha recurrido a Hamlet de Shakespeasre, pista que nos da el nombre escogido para el protagonista de la película, Almleth.

Como en las otras películas de Eggers, en este caso el terror se muestra en los detalles, trampantojos y simbolismos. Los animales tienen un papel especial en la tarea de infundir miedo en el espectador. Así, en "La Bruja" el conejo y el macho cabrío nos señalaban que estábamos frente a la bruja y el demonio. En "El Faro" las gaviotas representaban el alma de los marineros fallecidos y devoraban el estómago del protagonista. Finalmente, en "El hombre del norte" el cuervo representa al rey muerto y cuando el Almleth es más sanguinario y violento dice que es un oso-lobo.

La mitología y la religión también son usadas por Eggers para infundir miedo. Así tanto el Dios cristiano de "La Bruja", Tritón en "El Faro" y los dioses vikingos se muestran como severos y castigadores, siendo cada protagonista deboto y temoroso de ellos.

Cada película tiene un conflicto sexual, en "La Bruja" el incesto, en "El Faro" la homosexualidad y en "El hombre del norte" las infidelidades; además, de un conflicto entre una persona que tiene más poder y otra sometida que se ve explotada laboralmente. En "La Bruja" la hija mata a la madre, quien le echa la culpa de las desgracias de la familia y le obliga a hacer todas las tareas domésticas y de cuidado de la granja; en "El Faro" el subordinado mata al jefe que le ridiculiza y le obliga a hacer las tareas más tediosas de mantenimiento y en "El hombre del norte" sobrino contra tío, el cual ha matado a su padre y le tiene como esclavo de sus tierras.

Y en estas tres películas cada protagonista termina sacando a la luz aquello que niegan sobre sí mismos. En "La Bruja" la protagonista es muy religiosa y acaba haciendo un pacto con el diablo para disfrutar de la mantequilla y los vestidos, en "El Faro" el subordinado termina alcoholizándose y matando a su supervisor para ver de cerca la linterna que da la luz al faro y en "El hombre del norte" el protagonista es incapaz de elegir entre la venganza contra sus enemigos o el amor a los suyos. Es el único personaje de las tres películas que evoluciona a mejor, albergando no solo odio sino también amor así como un deseo de llegar al Valhalla, siendo incluidas de nuevo la religión y la salvación como anhelo.

Elio se enamora por primera vez en Call me by your name

Pensé  que cuando vería la película dirigida por Luca Guadagnino vería una historia de amor entre dos hombres, pero vi algo aún más interesante, vi el proceso por el  que pasa una persona cuando se enamora por primera vez.

Elio, brillantemente interpretado por Timothée Chalamet, es un chico de 17 años adorable, culto, divertido, apasionado por los libros, la música y el arte además de muy cariñoso. Sus padres lo adoran y todos los veranos va a Italia para pasar las vacaciones. Este verano un estudiante universitario va a ayudar a su padre y Elio se enamora de él.

La película así se divide en tres partes, la más larga es la primera, en la que Elio se enamora de Oliver y al principio le evita, le odia, le mira, le admira y finalmente se lo confiesa. En la segunda Elio y Oliver se esconden apasionados en la casa de Elio y dan rienda suelta a su pasión. Aún así, tanto Elio como Oliver siguen acostándose con otras chicas. Y, finalmente, en la tercera parte, cuando Oliver está a punto de marcharse de vuelta a los Estados Unidos, los padres de Elio, que se habían dado cuenta de todo, organizan un viaje para que los chicos puedan despedirse. En ese viaje, no solo tienen sexo  y pueden centrarse más en ellos solos sino que también se centran en reírse, hablar y hacer esas tonterías que solo haces cuando te enamoras por primera vez. Bueno, es Elio quien disfruta de esa euforia arrolladora que solo sientes cuando te enamoras por primera vez, porque Oliver, aunque puede que también estuviese enamorado de Elio, no era la primera vez que se enamoraba.

Elio es quien evoluciona, quien busca a Oliver, quien llora, quien ríe, quien esconde sus sentimientos y quien da el paso de contarlo todo. Es a quien sus amigos y sus padres tienen que consolar. Es a quien se le rompe el corazón cuando Oliver le llama por teléfono y le dice que se va a casar al año siguiente. Elio es quien tiene una personalidad arrolladora en esta historia y Oliver lo único que hace es recibir el amor. Pero hay una cosa que hace bien Oliver y es decirle a Elio que le llame por su nombre. "Llámame por tu nombre". Y es que esa frase tiene mucho significado, porque cuando te enamoras por primera vez, te tienes que centrar en el cambio que experimentas tú al vivir esa experiencia, ese crecimiento placentero, inolvidable y también muy doloroso. 

Gracias a Dios que solo nos enamoramos una vez por primera vez. Porque siempre nos podemos enamorar una segunda, una tercera o una cuarta vez y será mucho más correspondido, pero cuando nos enamoramos por primera vez, debemos llamar a ese amor por nuestro nombre, porque gracias a él creceremos. 

La presión en Encanto

El largometraje Encanto se merece el Óscar a la Mejor Película de Animación por la banda sonora, las animaciones, las voces, la idea, los colores y, por si fuera poco, por otra razón.

En Encanto se nos cuenta la historia de una familia que ha sido bendecida por un milagro. Todos los Madrigal nacen con un don como la capacidad de hablar con los animales, la superfuerza, o las visiones del futuro. Sin embargo, Mirabel no tiene poderes.

Mirabel siente una enorme decepción consigo misma por este hecho y se esfuerza por ayudar como puede a su familia. Aún así, la abuela Alma, líder de los Madrigal siempre desaprueba las acciones de la chica. Aunque Mirabel desea ser como sus hermanas y primos, se da cuenta de que ellos sienten una enorme responsabilidad debido a las capacidades que tienen. La abuela nunca está contenta con ellos y quiere que brinden más y más ayuda al pueblo en el que viven. 

Así, podemos observar dos tipos de presión, la relativa a no tener una capacidad y la asociada a la responsabilidad que tener esta conlleva. Es un concepto muy interesante y que los adultos vivimos día a día en el trabajo, y gracias a esta película, los niños pueden entenderlo de manera fácil y sencilla.

Además, al final, se hace referencia a que el trabajo en equipo ayuda a mitigar esta doble presión. Y no solo el trabajo en equipo en la familia o en la oficina, sino también con la pareja. Si un miembro del equipo comparte su don, ofreciendo su conocimiento al otro miembro del equipo que no lo tiene, no sentirá tanta responsabilidad ya que podrá ser ayudado, al igual que el miembro del equipo que no tiene el don es ayudado porque consigue aprender algo nuevo.

Detrás de Georgina

Este jueves 27 de enero se ha estrenado el reality-documental de Netflix "Soy Georgina" protagonizado por la novia de Cristiano Ronaldo.

Al principio, da la sensación de que la docuserie va a ser un espacio en el que Georgina Rodríguez muestra lo maravillosa que es su vida mientras los espectadores se rien de ella. En efecto lo es, cuando la protagonista suelta perlas como: "lo que más me gusta del jet privado de Cris es la tripulación. No me imagino a Cristiano y a mí en un aeropuerto, me volvería loca." 

Pero a medida que se va avanzando en los seis episodios, la audiencia es consciente de que realmente Georgina está enamorada de Cristiano Ronaldo. Le apoya en todas sus decisiones y Cristiano se muestra muy feliz de tenerla como compañera.

Y uno de los motivos que a él le agradan tanto de ella, es la relación que Cristianito tiene con la de Jaca. Y es que fue el hijo mayor de Cristiano la primera persona que la saludó cuando todos entraron en la tienda de Gucci en la que Gio trabajaba. En todo el documental se muestra que Georgina siempre hace todo lo que puede por Cristiano Junior e intenta ayudarlo y animarlo en momentos en los que el hijo mayor de Cristiano se siente verdaderamente triste: cuando su padre pierde un partido o cuando este no puede acudir a su cumpleaños.

Y es que lo que este documental nos muestra, a parte de la moda, los restaurantes, los festivales y las alfombras rojas es que poco importa que tu padre cierre un parque de atracciones para celebrar tu cumpleaños, lo importante es que esté allí para celebrarlo contigo.

Melomans y su nuevo concepto de presentación de disco

Edu Escartí, Gonzalo Manglano, Pau Ferrer y Javi Reig forman el grupo Melomans. En 2014 iban a presentar su disco "Se canta pero no se toca", pero una serie de imprevistos de lo más pintorescos impidió su gira hasta que al fin se presenta este final de 2021 y principio de 2022 en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid.

Lo gracioso es que ninguna de las canciones de ese disco son las que interpretan ahora ya que pensaron que esas piezas estaban gafadas ya que no hubo manera de presentarlas en 7 años.  Y no solo por eso es tan diferente este espectáculo, sino porque además de cantar y bailar únicamente con sus voces como instrumentos, también interactúan con el público y utilizan el humor y su historia personal como hilo conductor entre canción y canción. 

Ante todo, estos chicos son cuatro amigos a los que les gusta cantar juntos. Han vivido peleas, épocas en las que cantaban para bautizos, bodas y comuniones y hasta dedicaron tiempo para investigar nuevos conceptos musicales como la microcanción, una pieza de muy corta duración y con un final sorprendente como si se tratara de un juego de palabras o un chiste. 

El espectáculo se compone de versiones de canciones de siempre, poemas y sus peculiares microcanciones o tarareos. Sus desternillantes bromas y anécdotas integran todo de una manera impecable y su atuendo de americana, camiseta, vaqueros y zapatillas  muestra que cada  miembro del grupo es diferente, pero que todos son un equipo. Los cuatro son protagonistas, los cuatro cantan  y no tocan y cada uno tiene un color de voz único.

Sin duda, lo más impresionante de todo son sus voces. Voces que hasta simplemente hablando son bonitas. Voces que hacen reír y emocionan, especialmente cuando interpretan canciones de Disney y transportan al público a los felices años de la infancia. Voces afinadas en todos los registros, capaces de hacer imitaciones y que no apetece dejar de escuchar.

Cada viernes se puede ver este espectáculo y conocer a estos chicos que presentarán su disco de una manera nunca antes vista. 

Ghost, el musical de Bustamante

Desde el 29 de septiembre y hasta el 9 de enero se puede disfrutar en Madrid, en  el teatro EDP de la Gran Vía, del musical de Ghost, basado en la exitosa película protagonizada por Patrick Swayze y Demi Moore. En esta obra, el personaje de Sam es representado por David Bustamante, papel en el que se estrena como actor de musicales.

David Bustamante lo da todo en su primer musical. Es el actor que está de principio a fin en la obra, por lo que en las primeras actuaciones intenta no sacar demasiado la voz para que no se le resienta, pero según transcurre Ghost, va increscendo, hasta cantar a pleno pulmón al final. También destaca que Bustamante no opaca al resto de los actores, sino que los ensalza. Es un reclamo para un teatro que se llena a rebosar además de permitir que el público conozca a grandes artistas como Esteban Oliver, que interpreta al anciano fantasma del hospital y que baila con gran destreza causando una sonrisa en los espectadores; o a Ela Ruiz que actúa como la enigmática pitonisa Oda Mae mostrando una asombrosa y fuerte voz.

Impresionan los efectos especiales del musical. Objetos que vuelan, humo, cambios de decorado, plataformas que se elevan desde el suelo o fantasmas que salen de cadáveres dejarán a todos con la boca abierta. Sonidos estridentes causarán más de un susto y escenas subidas de tono más de una risa. La diversión está asegurada.

Además, el guion de la obra nos permite reflexionar. Nunca se sabe cuando la vida puede acabar, así que es mejor no desperdiciar ninguna oportunidad para hacerles saber lo mucho que queremos a las personas que nos importan.

El contexto histórico del Guernica

En el Museo Reina Sofía de Madrid, además de poder contemplar la obra más emblemática de Pablo Picasso, se comprende muy bien la situación histórica del momento en el que se expuso. De modo, antes de ver el cuadro, se pueden observar los planos del pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937, momento en el que el Guernica se dio a conocer por primera vez. Sorprende un mural con carteles belicistas de la época ocupando más espacio en la pared que la obra del pintor.

En muchas salas se pueden encontrar esculturas, pinturas, fotografías y objetos de esa época de calma antes de la tempestad. Como si los europeos se esperaran lo que iba a ocurrir, aunque quizá no de una forma tan atroz como lo que fue. 

El cartel de la Expo de París de 1937 refleja muy bien esa sensación. Una cara de una mujer preocupada cuya frente está marcada por una diana con los colores de la bandera francesa. Tiene detrás un fondo de banderas en el que llaman la atención la de la España Republicana y la de la Alemania Nazi. 

Después del Guernica, lo más bonito de la muestra es un documental de esa Exposición Internacional. El espectador siente que viaja a París y disfruta de los pabellones, las instalaciones e incluso las atracciones que allí había. Un oasis en esa Europa convulsa. Y es que hasta en los peores momentos, el arte y la cultura brindan esperanza y regocijo.