La Fe como eje de la historia

Si un parque temático destaca por su éxito es el Puy du Fou España. Ofrecen parking gratuito, la posibilidad de llevar comida de casa para comerla en los merenderos que tienen allí así como diversas opciones de espectáculos. 

Una vez que el visitante entra en el recinto, se ve rodeado de puestecillos medievales, trabajadores ataviados con ropa de época, caballos, réplicas de monumentos de la ciudad de Toledo como es la Puerta Antigua de Bisagra que preceden a la estrella de la experiencia, el espectáculo nocturno de El Sueño de Toledo.

El show destaca por integrar la religión católica como el eje del relato histórico, por ejemplo, haciendo hincapié en la renuncia de Recaredo del arrianismo y declaración de la fe católica como elemento de unión de España y principio de la historia de la ciudad de Toledo y de nuestro país. 

Así, el espectáculo comienza con el recuerdo del Concilio de Toledo, sorprendiendo al espectador con los desfiles de los bárbaros, de sus animales y ornamentos. Seguimos con la conquista de Toledo por parte de los musulmanes quedando envuelto en fuego todo el decorado y bailes acuáticos que detienen la respiración. 

La ciudad vuelve a ser reconquistada y tiene lugar el milagro del Cristo de la Luz de Toledo cuando el caballo del rey Alfonso VI se detiene y cae arrodillado ante la mezquita de Bab - al-Mardum que escondía una Imagen de Cristo Crucificado bañada en luz. Es impactante ver cómo el caballo se arrodilla realmente durante el espectáculo, haciendo gala de un brillante entrenamiento. También se hace referencia al milagro de la casulla de San Ildefonso en el que la Virgen María le entrega esta prenda al clérigo tras la defensa por parte del santo de la verdadera virginidad de Nuestra Señora.

Es muy satisfactorio visualmente notar los cambios de la arquitectura a través de los videomapping que se hacen del decorado así como no saber a dónde mirar debido a la simultaneidad de mini espectáculos, por ejemplo los bailes de las culturas musulmanas, cristianas y judías, todas al mismo tiempo.

Los Reyes Católicos también son protagonistas de este Sueño de Toledo, en especial cuando el barco de Colón emerge del agua y cuando el genovés vuelve con una custodia de las Indias. Varios drones reflejan la imagen de la custodia en el cielo ofreciendo una imagen tan realista que da la sensación de que el objeto sagrado esta realmente volando con las estrellas.

Se alude al reinado de Carlos V y Felipe II mostrando bailes atribuidos a los territorios de ultramar del Imperio. Tanto acrobáticos en la tierra como sincronizados en el río. También al Siglo de Oro y al Quijote. 

A partir de ese punto, observamos la vida agrícola de Toledo en el siglo XIX, en la que el espectador se enternece con la imagen de las cabritas corriendo. Sin embargo, el visitante se sobrecogerá al escuchar los realistas disparos de los franceses en la Guerra de Independencia. 

Y, finalmente, el espectáculo termina con la llegada del ferrocarril, el automóvil y los bailes de los años XX. Sin embargo, el final es un poco amargo porque muestra la Guerra Civil y los fallecidos en ella representados por drones en el aire en forma de velas.

Me hubiese gustado ver algo del siglo XXI en el espectáculo. Y es que aunque quizá no específicamente en la ciudad de Toledo, pero sí en el mundo, un acontecimiento que ha cambiado la historia es la Devoción a la Misericordia. Y es que la visión de Santa Faustina Kowalska, no solo nos da esperanza, sino que también nos recuerda lo importante que es tener compasión por los demás. Y es que vivimos en una sociedad en la que criticamos, juzgamos y exigimos mucho, en lugar de ponernos en el lugar del otro. Acontecimientos como el caso de Mari Carmen o el aniversario de la matanza del festival del 7 de octubre nos recuerdan que estamos muy necesitados de la Misericordia.

Obsession vs Backrooms

Las dos películas del verano han sido de terror, y es que este género está siendo lo mejor del cine en estos últimos años, ya que nos muestra ideas originales, profundas,  libres de remakes, de bajo presupuesto y dirigidas por jóvenes promesas.

Obsession nos cuenta como el joven Bear compra en una tienda esotérica una ramita de sauce que cumple deseos y pide que su amiga Nicky lo quiera más que nada en el mundo. Así, Nicky pierde su propia voluntad y queda doblegada al deseo de Bear.

La idea es muy simple y a la vez brillante porque se le puede sacar mucho jugo. ¿Bear es el chico bueno que aparenta ser? ¿Quién ha tomado el control sobre Nicky? ¿Cómo Bear podría haber formulado el deseo de manera correcta? ¿Cuándo aparece la voluntad de Nicky y cuándo está siendo relegada al deseo de Bear? ¿Dónde está la verdadera Nicky? ¿De verdad Bear está enamorado? ¿Cuál es la diferencia entre el amor y al obsesión?

Es más interesante escuchar y ver en You Tube los análisis y opiniones de Obsession que la propia película, porque conocemos así mejor a la persona que lo analiza. El que juzga duramente a Bear, el que llega a justificarlo, el que intenta buscar una solución al problema…

Y es que todos alguna vez hemos sido Bear. Todos nos hemos obsesionado, aunque sea por breves instantes, con alguien. Le hemos dejado de ver cómo un ser humano y le hemos visto como una posesión que se quiere conseguir o se teme perder. Nos hemos olvidado de conocer a la persona y nos hemos centrado en tenerla y que nos quiera. Quizá la diferencia del amor y la obsesión radique en quien ponemos el foco, en el amor es en la otra persona y en la obsesión en nosotros mismos.

Entonces Obsession es lo que te pasa.

Y Backrooms es cómo te quedas después.

Clark, propietario de una tienda de muebles, descubre una dimensión de espacios liminales dentro de su local y comienza a explorarla. Las habitaciones no tienen sentido, hay muebles, puertas y ventanas donde no debería haberlas. El espectador siente que todos los espacios son familiares, como si se hubiera soñado con ellos. El lenguaje visual es tan bueno que se siente presión y mareo solo con el visionado de la película.

Los monstruos de los Backrooms impiden que Clark vuelva al mundo real. Su psicóloga va a rescatarlo, pero Clark no quiere salir de ahí. Es devorado por un monstruo. Su sombra. La psicóloga consigue vencer al monstruo pegándole con una piedra, símbolo de un trauma que vivió ella en su infancia. Y se supone que ella sí que sale así de los Backrooms. ¿O no?

Todos los análisis que he visto coinciden en que sí, en que la psicóloga sale de los Backrooms, pero yo no estoy totalmente segura. Creo que es complicado salir totalmente de allí. Es muy complicado romper nuestros bucles y patrones completamente, hay que luchar contra nuestra propia sombra para que no nos domine, pero creo que es difícil escapar del todo de nuestra prisión interna. Quizá necesitemos una ayuda más grande, más espiritual.

Hay una historia muy bonita de Santa Margarita de Antioquía:

Marina Margarita nació en Antioquía en el siglo III D.C. Hija de un sacerdote pagano, a los 12 años se bautizó y se convirtió al cristianismo, por eso su padre renegó de ella. La persiguieron, la encarcelaron, la torturaron por su fe y hasta un dragón llegó a tragársela. Ella siempre llevaba un crucifijo consigo, que se convirtió en espada y, de ese modo, rasgó las entrañas del dragón y salió de allí. ¿Y si este dragón era en realidad un Backroom?

La Teoría de la belleza de Jana

Teoría de la belleza es una obra personal escrita en prosa poética por Jana. La autora; a través de textos en los que se puede vislumbrar, escuchar, oler, sentir y saborear el dolor por una herida abierta de depresión y trauma; nos relata cómo el abrazo de Dios le ayuda a seguir adelante y tener esperanza. 

La obra, después del glosario de palabras introductorio, consta de tres partes. La primera y más larga relata la herida de la autora. En este tramo también está Dios ya que Jana consigue ver la belleza en la tristeza.

"Tengo una tristeza terrible como la delicadeza de un cristal rajándose, mi tristeza es honda y bella como una rosa que nace entre toda la inmensidad de sus pétalos.

Esta raja delicada siempre vuelve, a veces me pesa todo mi cuerpo, es una sensación indescriptible, parecida a la de una caída, como cuando subes una noria y de golpe bajas hacia el suelo, así es cómo lo siento, una sacudida en mi pecho y mi corazón cayendo bruscamente.

Mi dolor está ubicado en mi pecho, para ser exactos en el derecho, y es como un pez que se sacude. Mi cuerpo siendo agua, el efecto del aleteo de un pez estancado hace que me sienta revolcada, casi siempre empieza por la garganta y luego un suspiro y un eco en el estómago, entonces ese pez va subiendo hacia mi garganta y me ahoga, casi siempre se manifiesta con un toque suave que va subiendo intensamente hasta que yo no puedo más, para y se va suave."

En la segunda parte, Jana se se encuentra con el Hessed, el amor leal y misericordioso de Dios que la salva. Siente una euforia indescriptible superando el dolor por sus heridas.

"Esbozo palabras; 

una borrasca profunda se mezcla en mi aliento.

Tirito de amor; tirito en noviembre.

Todo se desvanece,

y el cielo, con su anzuelo, va pescando pequeños fragmentos desde mi garganta al firmamento.

Pequeñas estrellas heladas absorben la tristeza.

Todo evoca una melodía conquistada por un Señor eterno de misericordia.

Luz y dolor;

vastedad y abrigo;

así eres, Hessed mío,

una tierra fecunda,

asilo para mi cuerpo, y una dulzura casi imposible y escondida que se vierte sobre mi rostro.

Tanto amor y amores ocultos tienes."

Y llegamos a la tercera parte, para mí la más interesante, titulada: "Síntesis conclusión eternidad metida entre los abrazos". Jana ya ha sido rescatada y ahora sigue adelante. Su pasado a veces la atormenta aunque ya no de manera tan fuerte como al principio. Y recuerda la alegría del Hessed, pero de manera más atenuada. Todo se estabiliza y ella carga con la cruz de su dolor donde encuentra belleza.

"Nostalgia vestida de oro,

como un destierro cansado de sol.

Así fue el eco: apaciguando. 

Perfumes derretidos y rotos; 

se fragmenta la profundidad de la vida,

un soplo contra el Señor

que quiso todas las mañanas llorar sobre el hueso."

"Un par de risas se fueron a los abismos del dolor. 

Se rinden las vírgenes; Jerusalén fue serenidad, tibieza, despedidas, flujo helado.

La madera tocada en silencio: la creación."

¿Cuál será la herida de Jana? Quizá no sentirse suficiente. En los únicos versos en los que se puede deducir algo son en los siguientes:

"Si fuera un vino, podría rociar sobre los labios a algún hombre sediento o a alguna mujer, alzando sobre mí una victoria.

Si pudiera contenerme sobre una copa,

pudiera ser el motivo de una boda, la promesa, una sorpresa, la alegría y el jolgorio de la gente. Pudiera celebrar la alegría infinita sobre el manjar. Si pudiera ser vino, Señor, pudiera ser evocada a tu sangre, ser parte de una copa dorada alzada sobre las manos en un rito solemne, conjurada por un sacerdote y consagrarme mediante la ebriedad del carmesí, una gota fresca y espesa de sangre sagrada."

Este es mi poema preferido. Jana busca la transformación de ella misma por parte de Dios. "Ojalá ser vino para convertirme por ti en tu sangre sagrada." Pero, aunque ella no se da cuenta, Dios ya la ha transformado. Ella ya es ese vino. Dios ha hecho que su tristeza se convierta en belleza al igual que el vino se convierte en sangre sagrada.

Un remedio a la explotación animal en el mundo del cine

 En Apocalypse Now se mató a un buey de agua real para que pareciera más realista la escenificación de un ritual local. Para grabar a los famosos leones de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) se encerraban, sujetaban y se exponían a estos animales a situaciones peligrosas. Hoy lugares que predican bienestar animal, como Fauna y Acción, utilizan animales para trabajar en la industria del cine. ¿Los animales deberían trabajar? ¿Animales cuyo hábitat es la selva deberían estar bajo los focos? Y una vez que han hecho su trabajo, ¿qué hacemos con estos animales? No sobrevivirían de nuevo en su hábitat natural, dependen de los seres humanos para alimentarse.

La Fundación Rainfer Chimpatía lleva 31 años acogiendo a primates usados en el mundo del cine, así como el circo o criaderos ilegales para cuidarlos en cautividad. Les proveen de espacio, seguridad, alimentación, higiene, bienestar y compañeros como ellos, aunque no es lo mismo que estar en libertad, por lo menos no tienen que trabajar ni vivir en malas condiciones.

Primero nos presentaron a los monos capuchinos. Nos contaron que estos animales se despiojan entre sí y eso además de limpiarlos, les produce una sensación de cariño, alivio y unión con sus compañeros. También nos hablaron de que como esta fundación es un centro de rescate y no de cría, ya que lo ideal es que los animales vivan en libertad en su hábitat natural, impiden la reproducción administrándoles la píldora a las hembras de algunas especies y efectuándoles la vasectomía a los machos.

Cuando observamos a los macacos nos contaron que, en ocasiones, los dos ejemplares se evitaban ya que ambos tienen unos caracteres muy diferentes, y comentamos que viviendo en cautividad tienen que aceptar a algún compañero, del que si estuvieran en tu hábitat natural, huirían. 

Y llegamos al gran atractivo de la visita, los chimpancés. Así conocimos a Manuela quien nos saludaba desde lo alto. Esta primate es muy feliz en la Fundación Rainfer y es la delicia de los visitantes. Llegó al santuario a la edad de 23 meses tras haber sido separada de su madre para ser utilizada en una producción audiovisual, pero la rescataron antes de que comenzaran a grabar. 

Sin embargo, su compañero y gran amigo, Guille, no tuvo la misma suerte. Fue rescatado en Canarias. Su dueña lo tenía encerrado en una jaula diminuta y llena de los propios excrementos del animal, hasta tal punto llegaba la suciedad que el pobre chimpancé había perdido un ojo por la infección que tenía. Esta mujer, además, le daba de comer solamente pizzas, hamburguesas y tanta Coca-Cola que cuando llegó a Rainfer no quería probar el agua. Le tuvieron que mezclar el agua con la Coca-Cola e ir disminuyendo poco a poco las dosis del refrescos para que el animal fuera bebiendo más agua. Por todo lo que ha vivido suele ser hostil con los humanos y le cuesta coger confianza.

Finalmente, vimos  a los lémures y orangutanes.

Esta fundación se financia a través de donaciones, visitas y apadrinamiento de los animales, sus costes ascienden a 25.000€ mensuales por aclimatación, instalaciones, nóminas y comida. Hacerles una visita supone ayudar a animales que han sufrido, entre otras cosas, explotación en el mundo del cine. Esperemos que con el uso y la evolución de la Inteligencia Artificial se deje de utilizar a cualquier animal en esta industria, ya que ellos no deberían trabajar.

Toy Story 5: juguetes tradicionales y electrónicos

 Toy Story 5 está siendo un éxito en taquillas. En esta entrega tratan un tema candente, los niños y la tecnología.

Bonnie es la única niña del vecindario que sigue jugando con juguetes, los otros niños del barrio la miran por encima del hombro mientras están enganchados a la tablet. Los padres de Bonnie, preocupados, le compran una Lilypad para que haga amigos. La vaquera Jessie, Buzz Lightyear y los demás juguetes se asustan cuando ven a Bonnie alienada, la tablet con la que juega mañana, tarde y noche le está absorbiendo toda su atención. 

Una de las cosas por las que Lilypad tiene tan adicta a Bonnie es por la existencia de una plataforma por  la que los niños chatean a través de sus Ipads en forma de animales. Las otras niñas, al ver que Bonnie por fin tiene una tablet, la invitan a una fiesta de pijamas y la niña está muy emocionada. 

Sin embargo, cuando Bonnie lleva a Jessie y a Perdigón a la fiesta las otras niñas se ríen de ella por seguir jugando con juguetes. No son amigas reales. De modo que la misión de Jessie va a ser encontrarle una amiga a Bonnie con la que conecte de verdad.

En esta película los juguetes tradicionales se relacionan con juguetes más electrónicos y unen sus fuerzas para conectar a dos niñas que siguen utilizando la imaginación para jugar. Estos juguetes más tecnológicos producen mucha nostalgia al espectador, recuerdan a los Tamagotchis o a las bolitas que adivinaban el futuro.

Tanto los juguetes tradicionales como los electrónicos, aunque son muy diferentes, tienen una cosa en común: aman profundamente a los niños. Cuando juegan con ellos sienten una euforia apabullante que se materializa en escenas más especiales en las que los juguetes sienten en sus propias carnes las historias que se inventan los niños; y, por otro lado,  tienen un miedo terrible a que los dejen ignorados en un cajón. Jessie tiene una profunda herida de abandono por Emilly, su primera niña, con la que pasaba todas las tardes jugando, pero la dejó cuando creció. Y Jessie les reprocha a estos juguetes modernos con Internet el hecho de que, jugando con ellos, los niños crecen más rápido.

Una escena que me hizo reflexionar fue  cuando Bonnie lloró amargamente cuando vio en el chat de Lilypad que las otras niñas se reían de ella por jugar con juguetes. Y es que estos juguetes con pantallas e Internet, que nos tienen tan alienados son los únicos que nos hacen llorar. Estamos enganchados a un invento, que en gran medida, nos hace sufrir. 

La pobre Lilypad se siente tan mal por haber herido a Bonnie que ella misma se deja caer en una caja de donaciones. Pero Jessie y los demás juguetes la rescatarán para redimirla y que sea un instrumento que conecte a Bonnie con Blaze, otra niña que sigue jugando utilizando la imaginación.

Así Toy Story nos emociona y enseña, que bien utilizados, los juguetes electrónicos también pueden ser buenos para los niños porque pueden conectarlos con amigos de verdad.

El pueblo interpreta la historia del pueblo

 El pasado 12 de mayo se celebraron las fiestas mayores de Alcolea de Tajo. Y para hacer este año aún más especial, los alcoleanos han explicado la historia desde la fundación de su pueblo transportándonos al pasado en un pasacalles histórico muy bien ambientado.

El topónimo Alcolea proviene del árabe al-quleya, que significa castillo. Y es que el municipio toledano fue fundado por poblaciones árabes que se establecieron permanente en un cerro del pueblo. Aún podemos encontrar allí ruinas de aquella época. Como las primeras familias fundadoras fueron de origen musulmán, dos veinteañeros del pueblo interpretaron a una pareja árabe preocupándose por el futuro y dedicándose palabras de amor.

A partir del siglo XI, tras la reconquista, Alcolea de Tajo pasó a los dominios de la Iglesia de Toledo. Los alcoleanos nos fueron enseñando los diferentes personajes y oficios que se veían por el lugar en aquella época. Algunos ejemplos fueron las mujeres que llevaban agua del cercano río Tajo, el herrero, las costureras o las señoras las que llevaban dulces del convento de Santa Catalina en Talavera de la Reina; quienes tuvieron la amabilidad de ofrecer pastas de las monjas a los espectadores del espectáculo.

         

El momento álgido del espectáculo fue el final. 

Primero, el Deán Agustín Contreras, quién  en el siglo XVII, después de su viaje a las Américas, nos enseñó la iglesia de la Asunción de Alcolea y nos contó que él envió para su decoración una lámpara de plata viva y unos utensilios de oro y plata para la liturgia.

Y para terminar, vimos en directo como fue el milagro del 12 de mayo de 1779. Ese día comenzó con una climatología adversa y hacia las cuatro de la tarde el cielo se oscureció completamente. Ante el temor por perder las cosechas, los vecinos, liderados por la devota mujer Bárbara Copado Sánchez rezaron a la Virgen de los Dolores para que no lloviese. Esto resultó, y la tormenta solo afectó a los pueblos vecinos y no causó daños a las tierras de Alcolea. Así, se hizo el milagro.

La interpretación fue muy buena. La actriz que daba vida a Bárbara Copado hizo una brillante actuación, entrando a la iglesia muy ansiosa y preocupada e instando a los vecinos a rezar y cantar a la Virgen de los Dolores, mientras de fondo se oían truenos como efectos especiales. Después de una bonita Salve cantada, los sonidos de la tormenta cesaron y todos quedaron muy contentos porque se había hecho el milagro.

Lo mejor de la realización de este evento es que fueron los alcoleanos quienes contaron la historia de su pueblo y de cómo fue el milagro que conmemora sus fiestas. Es un ejemplo perfecto de cultura popular.

Un libro y una película complementarios

La película Project Hail Mary está siendo un exitazo en taquilla. Ryan Gosling da vida a un simpático doctor Grace que es aún más miedoso que el de la novela escrita por Andy Weir. Todos los espectadores nos enamoramos de Rocky, un adorable extraterrestre con aspecto de araña rocosa. 

Si bien la novela es más profunda, oscura, científica y muestra a un Grace un poco más valiente y habilidoso que el de la película; tanto el libro como el filme presentan muy bien la evolución del protagonista y el bonito mensaje que señala que cuando tenemos a alguien que nos importa, lo arriesgamos todo.

Grace tenía miedo a morir y no quiera arriesgar su vida por salvar a la humanidad, a pesar de que no tenía nada ni nadie que lo atase a la Tierra, pero cuando conoce a su mejor amigo Rocky se deshace de ese miedo y está dispuesto a perder su vida por salvarlo a él. Es una historia en la que se reivindica el amor como el motor de la salvación y la colaboración como solución de los peores problemas. 

La película tiene algunas diferencias con respecto a la novela, se inventan al personaje de Carl para ofrecer un recurso cómico para las escenas en las que el doctor Grace investiga sobre los astrófagos que son los microorganismos que están consumiendo la energía del sol, es más family friendly omitiendo algunos detalles incómodos que aparecen en el libro como las formas de morir que eligió la tripulación a bordo de la nave Hail Mary, aparece la estricta líder del proyecto cantando una canción de Harry Styles y también se añade en la nave espacial la sala de la salud mental, con proyecciones de paisajes y eventos de la Tierra para hacer más llevadero el viaje del Doctor Grace. 

Aún así, la película es muy fiel al libro y merece la pena verla, siempre después de haberlo leído ya que se disfruta y entiende mucho mejor, además de enamorarnos aún más de Rocky. Es entrañable verle eligiendo la voz humana con la que va a hablar o entusiasmado por las imágenes de la Tierra. Son graciosísimas las escenas en las que él y el doctor Grace interactúan y es impresionante el silencio del cine en la escena más dura de todas, en la que el alien salva al humano.

Podemos concluir que la película aporta una visión más emotiva y cómica de la novela dejando con muy buen sabor de boca a quien ha consumido ambos productos culturales. Es una muy buena adaptación y visualmente es una preciosidad de infinidad de colores. Hay que decir, sin embargo, que el trailer destapa muchas claves del argumento y por eso acudí con un poco de miedo a ver el largometraje.

La duda, la certeza y la Fe

Una película de culto es La Duda. Rodada en 2008 dirigida por Patrick Stanley como la adaptación cinematográfica de su obra de teatro, este filme, además de contar con las actuaciones magistrales de Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams y Viola Davis, ahonda en conceptos tan profundos como la presunción de inocencia, la compasión, la rigidez o la certeza sin pruebas.

La película empieza con el brillante sermón del padre Flynn a quien da vida Philip Seymour Hoffman. Habla sobre las dudas colectivas producidas por acontecimientos como la muerte de Kennedy, o la incertidumbre geopolítica y económica que vivimos hoy en día. Este sentimiento de desesperación compartida no es tan terrible como las dudas que se llevan en soledad, en silencio, las dudas que pueden hacer que una chica se plantee acabar con su vida, por ejemplo. Nadie entiende esa duda porque no se puede estar en la cabeza de esa persona. Pero teniendo dudas se puede seguir creyendo en Dios. Como ese marinero que sigue adelante aunque el cielo esté nuboso solo porque una noche vio claramente las constelaciones que le indicarían el camino a casa.

La madre Aloysius, interpretada de forma brillante por Meryl Streep, es una monja conservadora y estricta a quien el discurso acerca de la duda del cura le hace desconfiar. Pide a la joven hermana James (Amy Adams) que esté alerta a lo que pueda pasar con el sacerdote.

El padre Flynn llama al primer y único alumno negro que hay en el colegio católico para conversar con él. Están bastante tiempo juntos y la hermana James descubre al sacerdote metiendo la camiseta del chico en su taquilla. Eso, y que el chaval se comporta de una manera extraña tras haber hablado con el sacerdote sumado al hecho de que el aliento del chico huele a alcohol, provocan que la hermana James que le transmita sus inquietudes a la hermana Aloysius. 

Sor Aloysius, aunque cuadriculada e incomprendida, muestra mucho cariño por las demás hermanas, protege a una monja mayor que se está quedando ciega de la expulsión, impone miedo a los chiquillos pero sus castigos son siempre muy ligeros y mantiene el orden asegurándose de que los niños y adolescentes se muestren respetuosos en clase y en la iglesia. Sí, es inflexible, pero mientras que las monjas comen en silencio, en un entorno seguro y pacífico, los sacerdotes, ensucian todo mientras se ríen escandalosamente de una mujer gorda que se queja de su hija entrada en carnes. 

La hermana Aloysius no duda, tiene una de esas certezas que no necesitan pruebas. Como cuando te enamoras por primera vez o como cuando sabes que Dios existe. La hermana Aloysius sabe que el padre Flynn se comportó de forma inapropiada con el alumno Donald Miller. Sor Aloysius y Sor James interrogan al sacerdote y él lo niega todo, dice que habló con el chico porque este había sido descubierto bebiendo el vino de misa. La hermana Aloysius no se lo cree y los indicios pesan como pruebas en su convencimiento. Indicios como las uñas largas del padre, la forma en la que le ha visto interactuar con los alumnos, el hecho de que se ponga hasta tres terrones de azúcar en su té o su deseo por incluir canciones no necesariamente religiosas en la fiesta de Navidad.

La hermana Aloysius habla con la madre de Donald Miller y esta le confiesa que el padre del niño le pega palizas debido a sus inclinaciones y le ruega que no le meta en ningún problema ya que necesita que Donald termine el curso escolar para tener mejor opción de ir a un buen instituto. 

Pese a sus fuertes deseos, la hermana Aloysius no mete al chico en problemas, pero confronta al padre Flynn de manera muy dura. La fe en esa creencia sin pruebas la lleva a mentir, a decirle al padre que una monja le confesó sus malas artes en un colegio anterior. El sacerdote decide marcharse después de esta confesión. 

En el final de la película vemos a Sor James y Sor Aloysius hablando, y aunque la hermana Aloysius se muestra al principio de la conversación convencida de que tenía razón y que el padre Flynn lo hizo, finalmente se derrumba y confiesa que tiene muchas dudas. Y quizá sea porque esa certeza tan fuerte no provenía de una verdadera fe sino de una herida. De las ganas de tener razón y de controlarlo todo.

Tenemos dudas del mundo que nos rodea y de nuestro propio mundo interior. También tenemos certezas que pueden sostenerse en heridas, como que la culpa de todo la tiene un tercero. Sin embargo la Fe es la del marinero que sigue adelante, a pesar de sus dudas, solo porque un día vio las estrellas.  

Feliz Semana Santa. 

Admirables entre los Miserables

Se puede disfrutar, en el madrileño Teatro Apolo, del musical de Los Miserables estando ya disponibles las entradas hasta el mes de junio. Recomendaría no elegir los tickets del anfiteatro debido a la lejanía del escenario y al barullo del gallinero, aunque el sonido es tan bueno como el de primera fila.

También aconsejaría leer antes el libreto de la obra o, en su defecto, visionar la película protagonizada por Hugh Jackman y Anne Hathaway o echar un vistazo al resumen de Wikipedia ya que la obra del Teatro Apolo es íntegramente cantada, sin diálogos hablados por lo que puede hacerse difícil el seguimiento de la trama. 

Si le preguntas a la Inteligencia Artificial te dará un apunte curioso: "Efectivamente, existe una gran confusión popular, a menudo potenciada por la cultura pop, Los Miserables no es la Revolución Francesa de 1789 y tampoco es la Comuna de París de 1871 si no que es un evento que sucedió entre ambos hechos históricos. La novela de Víctor Hugo es la Rebelión de junio de 1832. La escena de las barricadas representa la insurrección de ese año en París. Fue una revuelta republicana fallida contra el rey Luis Felipe I, motivada por la pobreza, la cólera y la muerte del general Lamarque quien era un simpatizante del pueblo. Esta revuelta fracasó y fue brutalmente reprimida."

Así, son miserables, porque son mendigos y desgraciados, se pelean por las migajas con otros pobres olvidando sus principios, y, finalmente, pierden. El sistema es más fuerte.

Pero, aún así, hay luz en la oscuridad. Dos personajes me han conquistado, y en vez de miserables, me parecen admirables. 

Uno es el Obispo Myriel, quien acoge al protagonista Jean Valjean tras salir de la cárcel cuando todos le despreciaban. En su desesperación, Valjean roba al obispo y cuando los gendarmes le atrapan, Myriel dice que él le ha regalado los objetos de los que se le acusa el robo y, además, le obsequia con un candelabro para que tenga más ayuda. Así lo perdona y gracias a él Jean Valjean puede llegar a ser alcalde a través de medios honestos. 

La otra es Éponine Thénardier, quien está enamorada de Marius Gavroche y mantiene un noviazgo con él. Dando un paseo, la pareja se topa con Cosette y Marius queda prendido de ella. Marius no se corta en mostrar sus sentimientos y pide a Éponine que busque la casa de Cosette, ya que ambas han convivido siendo niñas, para que él pueda acudir a su encuentro. Éponine lleva a Marius hasta la casa de Cosette y ve con sus propios ojos como los amantes se besan. Ella acepta la derrota y lleva una carta de Marius a Cosette, que recoje su padre adoptivo, Jean Valjean. Mientras Cosette está refugiada, Éponine participa en la revuelta, es parte de la Rebelión y es alcanzada por una bala dando su vida por la causa. 

Es impresionante la puesta en escena de las barricadas y, sobre todo, resulta sobrecogedora la muerte de otro ser admirable, el niño que canta y se coloca en primera fila para defender la Rebelión.

Aprendiendo a catar en Chinchón

Una visita obligada de todo madrileño en fin de semana es Chinchón, protagonista de joyas cinematográficas como La vuelta al mundo en 80 días y reconocido como uno de los pueblos más bonitos de España, también alberga la bodega más antigua de la Comunidad de Madrid. 

Fundada en 1870, 5 generaciones han regentado la Bodega del Nero. En nuestra visita, el tataranieto del fundador nos explicó que las variedades de uvas de las que constan las 40 hectáreas que tiene la bodega en el término municipal de Chinchón son Tempranillo, Tinto Fino, Graciano, Petit Verdot y Airén.

Una vez cultivado de manera manual y vendimiado en el mes de septiembre, meten el vino tinto en tinajas, el blanco en tanques de acero inoxidable y los destinados a garrafas en depósitos de cemento. La ventaja de las tinajas es que la cerámica es un material que favorece el intercambio de oxígeno a través de los poros del barro, lo que facilita que el vino sea más franco y muestre todos sus aromas. La tinaja, además, actúa como aislante térmico, permitiendo retrasar la fermentación y que todo se haga más despacio, favoreciendo la presencia de la fruta.

Sin embargo, los inconvenientes que tiene es que la refrigeración, y el movimiento del vino se tienen que hacer de manera manual mientras que los tanques de acero inoxidable lo hacen de forma automática. Lo más tedioso es la limpieza, pues una persona delgada, ya que a más peso más riesgo de quebrar la cerámica, debe quitar la suciedad a mano, pasando calor y con una mascarilla ya que el vino deja el gas tóxico del tufo en la tinaja. Antiguamente, cuando no eran obligatorios los equipos de seguridad, los trabajadores se peleaban por limpiar las tinajas ya que obtenían dinero extra y acababan ebrios sin beber.  

El vino se envejece en barricas. Aprendimos las denominaciones de los vinos según el tiempo en el que se envejezcan en el barril y la botella. Si el vino se saca de la tinaja y va directo a la botella es un vino joven. Si se saca de la tinaja, se mete en el barril entre 3 y 9 meses y va a la botella para ser consumido es un vino roble. Los vinos crianza se envejecen durante un mínimo de 18 meses, por lo menos 6 meses en barrica y el resto en la botella. Los vinos reserva deben estar un mínimo de un año en la barrica y otro año, dos para los tintos, envejeciendo en la botella. Y finalmente, los vinos gran reserva deben estar envejeciendo por lo menos 5 años los tintos y 4 los blancos estando más de un año envejeciendo en la barrica y después en la botella. 

Finalmente, llegó la parte más divertida de la visita, la cata. Probamos un blanco joven y un tinto roble. Aprendimos a hacer notas de cata. Primero comprobamos el color del vino blanco. Debíamos colocar el dedo frente a la copa, si lo distinguíamos perfectamente se trataba de un vino de capa baja, si solo lo intuíamos de capa media y si no lo veíamos, de capa alta. Como, en el caso del blanco, se distinguía perfectamente estábamos ante un vino de capa baja. Lo siguiente era distinguir el aroma el vino, como olía a fruta, concretamente a manzana, estábamos ante un vino afrutado.  Nos enjuagamos la boca con el vino para notar todos sus sabores, era tan ácido que se sentía un dolor en los laterales de nuestra lengua por lo que se trataba de un vino fresco y como el sabor permanecía en la boca, era un vino largo. El último paso era distinguir el cuerpo del vino, para ello hay que girarlo en la copa. Se forman unas gotas en las paredes del cristal y según lo que tarden en caer será un vino de mucho cuerpo si tardan mucho, o de poco cuerpo si son más rápidas. Así nuestra nota de cata fue: "vino blanco joven, capa baja, afrutado, fresco, largo y de poco cuerpo".

Con el vino tinto solo pudimos intuir nuestro dedo, su aroma recordaba a la madera, su sabor era menos ácido que el del blanco, este vino permanecía aún más tiempo en boca que el blanco y las gotas tardaban mucho en caer por lo que la nota de cata fue: "vino tinto roble, capa media, ahumado, poco fresco, persistente y de mucho cuerpo".

Para el maridaje de los vinos, nos sirvieron pan y queso untado de Chinchón con romero. Debíamos beber del vino, después comer el pan junto con el queso y comprobar si el sabor del vino quedaba en la boca o lo camuflaba el queso. Mientras que el queso eclipsaba el sabor del vino blanco, el vino tinto permanecía por lo que el vino tinto roble maridaba mejor con el queso que el vino blanco joven. 

Esta experiencia puede ser disfrutada por toda la familia ya que a los niños se les da refrescos y pueden probar el queso de Chinchón. También es maravilloso poder disfrutar del paseo en el trenecito turístico que viene incluido en la entrada premium de la visita a la bodega. 

Warhol y Pollock o Picasso y Klee

Ahora mismo, la exposición estrella de Thyssen es Warhol, Pollock y otros espacios americanos disponible hasta el 25 de enero.

En esta comparativa de los dos artistas americanos se destacan varios puntos en común como las repeticiones de patrones o las novedosas técnicas pictóricas a las que recurren y que no habían sido utilizadas anteriormente. Siendo el mayor punto en común el hecho de que sus obras son un buen fondo. Cualquier visitante del público se puede hacer una foto delante de sus obras quedando bien tanto el modelo como el escenario, el espacio. 

Sin embargo, aunque no sea la joya actual del Thyssen, una comparativa más centrada en el significado de la manera de representar la realidad es la de Picasso y Klee. Cada sala refleja cómo ambos artistas daban un nuevo sentido al retrato, los paisajes, el bodegón o los desnudos.

Picasso y Klee, cada uno a su modo, contribuyen a un cuestionamiento de la norma a través del retrato. A través de la caricatura y la enmascaramiento dan un toque mágico, amargo o irónico a las personas retratadas.

En cuanto a los paisajes ambos artistas buscan desentrañar la estructura interna y el funcionamiento de la naturaleza.

Con los objetos, también ambos artistas buscan comprender su esencia a través de la realización de bodegones. 

Por último, el desnudo es representado por ambos artistas como expresión de la celebración. Recurren también a la figura del arlequín.

Este tesoro escondido en el Thyssen se puede contemplar hasta el 1 de febrero de 2026.

¿Las villanas de Disney son de verdad tan malas?

Para celebrar el centenario de las producciones de Disney, en la Fundación de El Canal se puede disfrutar de una exposición que hace un repaso por estos 100 años de magia.

Además de descubrir datos interesantes de los inicios de Walt Disney; sus primeras producciones fueron las comedias de Alicia, en las cuales una niña de carne y hueso se adentraba en un mundo de animación. Tiempo después creó a Oswald, un conejo muy divertido. Pero fue cuando empezó a trabajar por su cuenta cuando tuvo sus mayores éxitos. 

El primer largometraje de Walt Disney fue Blancanieves, y aunque no sea la protagonista, uno de los mayores iconos de esta película es la malvada reina. Cuando habla con el espejo, encarga al cazador matar a su hijastra, se convierte en una anciana decrépita o intenta envenenar a Blancanieves son escenas que se nos quedarán grabadas en la memoria. Esta primera villana es envidiosa y no muestra ningún resquicio de compasión.

La siguiente gran villana de Disney es Maléfica, a diferencia de la malvada reina de Blancanieves, esta villana sí tiene un nombre y un protagonismo que es incluso mayor que el de la princesa de la Bella Durmiente, Aurora. Su porte, su maldición, su transformación en dragón. Si hasta se ha hecho un live action solo de Maléfica, en la que vemos que esta hermosa villana, interpretada por Angelina Jolie, no es tan mala.

Cruella de Vil, excéntrica y divertida es una villana del siglo XXI que también ha tenido su live action. Cruella es una villana más humana, ya que, además de ser de carne y hueso, y no hacer magia como las demás, no siente una envidia enfermiza como sus predecesoras sino que su pecado es la avaricia.

Los villanas de Disney, así se van volviendo menos malas, adquiriendo más personalidad y el espectador las puede llegar a comprender, hasta llegar a Frozen, película en la que la villana Elsa, es la protagonista. Basada en el personaje de la Reina de las Nieves de Andersen, a Elsa el hielo que mana de sus manos y que no puede controlar la ha hecho peligrosa, pero al controlar toda esa fuerza logra ayudar a su hermana.

La malvada reina de Blancanieves se vio desbordada por la envidia, ese miedo a no ser suficiente la llevó a utilizar aquellos poderes mágicos tan espectaculares en hacer daño a la princesa, a Maléfica le dolió mucho que no la invitaran al bautizo de Aurora y esa herida la llevó a maldecirla y Cruella se dejó llevar por la avaricia cuando ella era una mujer tan inteligente que seguro que podría haber confeccionado una tela mucho más bonita que la piel de esos 101 dálmatas.

Así, Disney nos enseña que nosotros no somos los villanos sino que nuestras heridas nos hacen serlo.

Ed Gein, inspiración del cine de terror

Con Halloween a la vuelta de la esquina, no se puede perder la ocasión de comentar la serie de Netflix “Monstruo: La historia de Ed Gein”.

Uno de los aspectos más interesantes de esta producción es la visión de la historia de este perturbado hombre de Wisconsin como producto cultural.

Gein usaba la piel del cuerpo de las dos mujeres que mató y de varios cadáveres que desenterró como material para elaborar pantallas de lámparas, cojines de sillas, cinturones, camisas y pantalones.

Así surgen Cara de Cuero, el protagonista de La Matanza de Texas dirigida por Tobe Hopper en 1999 y  Buffalo Bill, quien es el personaje principal de El Silencio de los Corderos. Ambos se ponían máscaras o trajes elaborados con la piel de sus víctimas.

La razón de estos crímenes fue la psicosis producida en Gein tras la muerte de su religiosa madre, quien lo sobreprotegió, controló y manipuló incrustando en su mente la idea de que solo ella podría amarle.

Esto sirvió a Robert Bloch como inspiración de su novela, Psicosis, que fue llevada al cine por Alfred Hitchcock en 1960.

La serie de Netflix se toma la licencia poética de usar a Ilse Koch como la inspiración de Ed Gein. Conocida como la Zorra de Buchenwlald, esta mujer nazi torturaba a prisioneros judíos y decoraba objetos con su piel. Ed Gein devoraba los cómics que ilustraron su historia y utilizó las pieles de sus víctimas de forma grotesca para sentirse más cerca de su madre.

De un cómic, un crimen y de un crimen, muchas películas. ¿Y si esas películas inspirasen otro crimen? ¿Se le habría ocurrido a Gein tapizar objetos con piel humana si no hubiese leído esos cómics?

Como la piel fue la materia prima de los muebles de Gein, la realidad es la materia prima de la ficción.

El Santuario de Lourdes y Santa Bernardette

Una joya arquitectónica que merece la pena visitar es el Santuario de Nuestra Señora de Lourdes en Francia. 

Este conjunto de edificios se compone de tres basílicas, una inferior, otra superior y una última subterránea.

La basílica inferior: Basílica del Rosario de Lourdes fue completada en 1899 y diseñada por el arquitecto Leopold Hardy. Muy influenciada por la arquitectura bizantina, destacan las quince capillas laterales más pequeñas que representan los quince misterios tradicionales del Rosario. Cada capilla consta de un gran mosaico, con muchos detalles dorados, con una imagen central que representa el tema del Misterio y una inscripción en latín.  Es especialmente hermoso el Misterio Gozoso de la visitación de Nuestra Señora a Santa Isabel. También destaca la majestuosidad del Misterio Glorioso de la coronación de María como Reina y Señora de todo lo creado.

La basílica superior: Basílica de la Inmaculada Concepción de Lourdes lleva su nombre por cómo la Virgen se presentó a Santa Bernardette, la niña a la que se le apareció. Es un impresionante edificio de estilo neogótico diseñado por el arquitecto Hippolyte Durand. El exterior está dominado por una aguja de 70 metros y dos agujas menores. A la iglesia se accede por dos escaleras, bajo las cuales se encuentra la entrada a la cripta. Desde donde se puede disfrutar de la vista a la explanada y se puede ver de cerca la corona que culmina la cúspide de la cúpula de la Basílica inferior, del Rosario de Lourdes. 

A la cripta se accede por un pasillo cuya entrada está presidida por una gran estatua de bronce de San Pedro. Las paredes del pasillo y de la nave están revestidas de pequeñas placas de mármol donadas en agradecimiento a los favores espirituales recibidos.  También destacan las vidrieras que representan la vida de María.

La más controversial es la capilla subterránea. Dedicada a Pío X y diseñada por Pierre Vago, este enorme túnel subterráneo de hormigón de estilo brutalista puede albergar 25.000 fieles y se construyó ante la masiva afluencia de los peregrinos por el 100 aniversario de las apariciones.

Sin embargo, el espacio que más sobrecoge el corazón es la gruta de Lourdes. Las apariciones tuvieron lugar en esta cavidad en 1858. Los fieles recorren la gruta tocando sus piedras de las que mana agua. Esta agua puede recogerse en las fuentes e incluso quién deseé puede bañarse en ella para curar sus dolencias. En un nicho encima de la cavidad principal hay una estatua de Nuestra Señora de Lourdes, en el mismo lugar donde se le apareció a Bernardette. Está venerada con velas.

Lo más bonito de este recorrido es que sea el resultado de lo que le pasó a una niña. Bernardette Soubirous, nacida en 1844, vivía con su familia en el molino de Boly. Tras años de miseria, la humilde familia tuvo que refugiarse en una celda de una antigua prisión de Lourdes cedida por su propietario. Los Soubirous eran conocidos como "los que viven en el calabozo". A causa de la desnutrición y el lamentable estado del lugar en el que vivía, la salud de Bernardette era extremadamente delicada. Contrajo cólera y asma. 

El 11 de febrero de 1858 la pobre Bernardette había ido a recoger leña en la guarida de los cerdos. Esta era la gruta. En la abertura de una roca Bernardette vio a una joven. La niña se restregó los ojos, pero, de nuevo, vio a la joven que le sonreía y le hacía señas para que se acercara. La mujer vestía una túnica blanca con un velo que le cubría la cabeza y llegaba a los pies, sobre cada uno de los cuales tenía una rosa amarilla, del mismo color de las cuentas de su rosario. Era la Virgen María. Juntas rezaron el rosario. No hablaron hasta la tercera aparición, en la que la niña le preguntó el nombre a la joven. La Señora no se lo dijo de momento y le propuso una cita diaria durante quince días. La Señora y Bernardette se hablaron en confidencia mientras que las autoridades acusaban a la niña de perturbar el orden público y amenazaban con enviarla a la cárcel.  La niña siempre tuvo una actitud calmada en los interrogatorios y nunca cambió su historia. La aparición más polémica fue la novena, la que hizo brotar el manantial. Siguiendo las indicaciones de la Señora, Bernardette  cavó en el sueño y buscó beber donde solo había fango, al cuarto intento bebió unas gotitas de agua más claras. Los asistentes de la aparición acusaron a Bernardette de loca, pero poco después un manantial brotó de donde la niña había cavado.

Bernardette pidió al párroco Peyramale construir una capilla para que se viniese en peregrinación tal y como le había pedido la Señora. El párroco le preguntó a la niña en honor a quién sería esa capilla, y fue cuando la Virgen se lo reveló a Bernardette en la decimosexta aparición: a la Inmaculada Concepción.

Fueron estas palabras las que hicieron que creyeran a la niña, ya que ella, no podía conocer estos términos. 

La maldad de lo cotidiano

La película La Zona de Interés estrenada en 2023 y dirigida por Jonathan Glazer, cuenta la historia del comandante Rudolf Höss. Él y su esposa Hedwig viven con su familia en una hermosa casita con piscina que colinda con el campo de concentración de Auschwitz. 

Esta película, grabada en formato de falso documental, en el que vemos imágenes estáticas de la familia tal y como les veríamos en un reality show, muestra cómo los Höss hacen su vida sin que les afecten los gritos de los judíos prisioneros, el humo que sale de las chimeneas o la ceniza que sobrevuela su casa. Lo ven como algo cotidiano. 

De hecho, tras el anuncio del traslado de su marido, Hedwig se muestra histérica y desesperada. Ella quiere quedarse en esa casa, con sus hijos aunque no esté su marido. ¿No debería estar deseando olvidarse de los gritos que vienen de afuera? No por humanidad, sino más bien por comodidad. Pero es como si se hubiera acostumbrado. Como si su piscina, su invernadero o su jardín paliaran el hecho de que se están asesinando a seres humanos al lado de su puerta.

Cuando su madre va a visitar a Hedwig, a pesar que alaba las instalaciones en donde su hija vive, apenas aguanta allí más de un fin de semana, el humo del campo la hace toser y el fuego la despierta de su apacible sueño. 

El espectador se centra tanto en las vivencias de la familia, que también acaba por olvidarse de los gritos que se oyen desde fuera.

Y las imágenes que aparecen al final de la película, en la que los operarios del museo de Auschwitz limpian los cristales detrás de los cuales se encuentran zapatos de personas que han sido gaseadas, como algo cotidiano, algo que hacen cada día, algo que incluso ha perdido su sentido evidencian más esa maldad de lo cotidiano, esa inmunidad ante el sufrimiento ajeno.

Pero si nos ponemos a reflexionar en nuestro día a día, comemos viendo un telediario que muestra a niños asesinados en Gaza, viajamos en metro con  personas que duermen en la calle o presenciamos accidentes de tráfico sin inmutarnos. Nos parece cotidiano. Como si esas personas no fueran reales, estuvieran en otra dimensión, jugaran a otro juego. No nos afecta su malestar. Esa es la maldad de lo cotidiano. Centrarse tanto en los problemas individuales, cotidianos, pasándonos desapercibidos quienes están sufriendo de verdad.

Javier Lamas y el vacío existencial

 Javier Lamas Martín publica por primera vez de la mano de la editorial Ediciones Derviche, Colecciono Atardeceres, un hermoso compendio de reflexiones en prosa.

La prosa poética del autor de Sacramenia nos transporta a las calles segovianas, ofreciéndonos la tranquilidad que no tenemos en las grandes ciudades. Nos recuerda que las palabras se olvidan, aunque los escritos resisten mejor al paso del tiempo.

Javier Lamas nos habla de su familia, sus amigos, los juegos de su infancia o los viajes que hizo sin contarnos demasiado, pero consiguiendo que nos sintamos identificados con sus palabras. Las descripciones son muy hermosas, el lector puede percibir el color, sabor y olor de los elementos a los que hace referencia Lamas. 

Lo más interesante de este libro es la manera en la que se abordan sentimientos complicados de tristeza: la nostalgia por la infancia o la juventud, los amigos que ya no están, los seres queridos que fallecieron... diferentes formas de vivir el duelo, pero lejos de tratarlo de forma lúgubre o pesimista, se hace referencia a estas emociones como algo hermoso, honrándolas como si contemplásemos un atardecer.

Quiero hacer una mención especial al primer texto del libro, desgarrador y que habla de algo que ha existido desde el principio de los tiempos, de la vida de cada ser y, por supuesto, de este libro, el vacío: "Lo de menos es el lugar, el año, mes, día y hora. Lo dramáticamente inevitable es que nacéis tú y tu vacío, es decir, tú mismo sin esa pieza de puzzle que te falta para sentirte completo". Después, el autor cuenta cómo en ocasiones, con amigos o con una persona especial, ese vacío se vuelve más pequeño, o quizá se siente menos, pero no desaparece. Y nos esforzamos por hacerlo desaparecer, por llenarlo con cosas que no hacen sino agrandar más el hueco. 

No se puede hacer nada con ese vacío, pero este libro lejos de entristecer haciendo referencia a la imposibilidad de que el vacío desaparezca, tranquiliza porque hace presente que el vacío existe, tal y como existen los árboles o el cielo. Que solamente tenemos que aceptarlo y amarlo, como una parte inherente a nosotros. 

Especulando sobre el Matrimonio Arnolfini

Mi última adquisición en la Feria del Libro ha sido un ensayo de Jean - Philipe Postel convertido en un libro de 161 páginas, El affaire Arnolfini.

En esta investigación sobre el cuadro de Van Eyck el autor, médico generalista de profesión, busca aplicar a una obra pictórica los métodos de observación clínica. 

Hay que reconocer que observa mucho, porque este autor, que lleva a su cita a la National Gallery de Londres, describe con minuciosidad hasta a los mimos que deleitan a los visitantes a la entrada del museo o el trabajo de los vigilantes de la sala 56, donde se encuentra el cuadro.

Convencido de que algo hay escondido en la obra de Van Eyk, se centra en la historia del cuadro, en las descripciones del inventario de los diversos dueños que tuvieron en su poder la obra y hasta en la etimología de la palabra Arnolfini. Por esas, llega a la conclusión de que el esposo del cuadro ha sido víctima de una infidelidad. Para hacer esta afirmación defiende que en la caja donde estaba guardado el cuadro hay grabadas unas frases de Ovidio que hacen referencia al engaño: "No economices el prometer, que al fin no arruina a nadie y todo el mundo puede ser rico en promesas". Además, analizando la palabra Arnolfini alega que San Arnulfo es el patrón de los cornudos.

Pero, analizando los símbolos de la pintura llega a otras conclusiones. En especial, cuando mira al espejo. El espejo no muestra lo mismo que se ve en el cuadro. No se ve el rostro de la mujer en el espejo, tan solo su ropa. Tampoco sale el perrito de esta. Y en su unión de manos aparece una sombra, una mancha negra. Es ahí cuando el autor recuerda la leyenda llamada "Una aventura de la tía Melanchton". Y es que la tía de Phillipe Melanchton vio a su difunto marido cuando ella estaba a punto de dar a luz. Y cuando este pidió que ella tocase su mano, no sintió ningún dolor, pero sí que se ennegreció su mano como si se hubiese quemado. Y se puso igual de negra que la del esposo Arnolfini. Así, Jean - Philippe Postel determina que la mujer del cuadro es una aparición venida del Purgatorio que le pide a su marido cridad y oraciones para acortar su pena. El marido, muerto de miedo, no la mira, pero si sujeta su mano y jura. 

El autor sostiene que la habitación está preparada para un parto, ya que está decorada de la misma manera que la princesa Aliénor, hija de Isabel de Portugal, aconseja a las nobles como debe estar amueblada su alcoba antes de dar a luz. Por otra parte, hay unas zapatillas rojas. Y esas no pueden venir del Purgatorio. Esas, tienen que ser de la nueva mujer del esposo Arnolfini, que no se encuentra en la pintura, pero que va a dar a luz. Ahí es cuando, Jean - Philippe Postel nos habla de Van Eyk y de su mujer Margarita, que le dio hijos. Y especula con que el esposo de la obra es Jan Van Eyk, la mujer que no se encuentra es Margarita y esta aparición es una mujer anterior. 

Leyendo este ensayo, me he dado cuenta que he conocido mucho más del ensayista que del cuadro. Cuando crees en algo, todos los objetos, ideas y frases que encuentras en torno a esa cosa te demuestran su veracidad, aunque eso que creas sea mentira. San Arnulfo no es el patrón de los cornudos sino de los cerveceros, es muy fácil sacar una conclusión infundada de las palabras de Ovidio; a Jean - Philippe le puede sonar a engaño y a mí me suena a que las promesas son baratas; la aventura de la tía Melanchton es un relato ficticio de Charles Nodier, por más que me esfuerzo no veo mancha alguna en el espejo y si a Van Eyk se le apareció su hipotética esposa muerta, este no tuvo la mano ennegrecida, o al menos no lo sabemos.

Al final, como la teoría de la Navaja Ockham bien dice, la opción más simple suele ser la correcta. Los que aparecen en el cuadro son Giovanni Arnolfini y su esposa. Están casados, a gusto y son felices. Sin embargo, yo también peco en esto de inventar teorías, y sí que me ha parecido muy interesante la comparación de cuadros de Van Eyk que hace Jean - Philippe Postel. En el libro hay una sección dedicadas a láminas de símbolos del cuadro del Matrimonio Arnolfini, así como otras pinturas de Van Eyk.

Hay elementos que se repiten en muchos de sus cuadros, las naranjas, las esculturas en forma de león, los animales domésticos, las zapatillas... y la figura de Santa Margarita. Y es que la mujer de Jan Van Eyk se llamaba Margaret y él estaba enamorado.